清空自我,不付诸于任何行为目的的绘画

2018-11-29 10:29 来源:崇真艺客 作者:毛茜 浏览:494 A+ | A-

朴栖甫出生于1931年,是韩国当代艺术界的风云人物,也是韩国单色运动(也称为DANSAEKHWA)的发起人之一。单色运动是韩国传统艺术精髓与西方艺术理念的结合体,20世纪70年代出现于战后的韩国,自出现起,便获得了国际艺术界的广泛认可。 

朴栖甫在工作室 1957年,清空自我,不付诸于任何行为目的的绘画,极简主义,抽象表现主义,韩纸,绘画,韩国,朴栖甫,DANSAEKHWA,毛茜

朴栖甫在工作室 1957年

虽然韩国的单色运动从未有过完整的定义,“单色运动”流派的艺术家(包括钟昌燮CHUNG CHANG-SUP 和 李禹焕LEE UFAN)却有着广为人知的艺术独特性:对非彩色色彩(即白色、灰色、黑色)的运用;对形象化的构图和纺织绘画材料的青睐;以及在创作过程中手指的大量运用和遵循着严谨的绘画步骤。事实上,在朴栖甫的绘画作品中,处处体现着这些规则,然而,最初激发这位韩国艺术家的早期审美情趣的却是法国无形式艺术。 

李禹焕在朴栖甫的工作室 1971年8月,清空自我,不付诸于任何行为目的的绘画,极简主义,抽象表现主义,韩纸,绘画,韩国,朴栖甫,DANSAEKHWA,毛茜

李禹焕在朴栖甫的工作室 1971年8月

无形式艺术出现于二战时期的欧洲,由法国艺术家、艺评家安东尼·塔皮埃斯(Antoni Tàpies,1923-2012) 提出,同时出现的还有美国的抽象表现主义艺术,在20世纪50年代极为盛行。无形式艺术对立于传统的立体主义,强调直觉与自发性,可以等同为抽象表现主义的巴黎版本,其抽象化的结果产生出了无数的形式。无形式艺术的重点不在于艺术家摒弃他们对形式价值的关注,而在于他们拒绝几何抽象的规律和结构,偏爱一种非理性的手法并由此产生的非确定性,具有后现代的特征。 

直到1957年,朴栖甫已经帮助在首尔建立了HYUN-DAE艺术家协会,并以无形式艺术为主要创作特征。1961年,朴栖甫获得了联合国教科文组织的奖学金,赴巴黎求学一整年,在那里,他进一步拓展了对无形式艺术的认知。 

朴栖甫在巴黎 1961年,清空自我,不付诸于任何行为目的的绘画,极简主义,抽象表现主义,韩纸,绘画,韩国,朴栖甫,DANSAEKHWA,毛茜

朴栖甫在巴黎 1961年

无形式艺术的抽象绘画技巧,如美国的行为绘画和色域绘画技巧,能让韩国的年轻艺术家充分表达朝鲜战争所带来的痛楚。无形式艺术对朴栖甫的影响在其早期的系列作品“PRIMORDIALIS”中可见一斑。 

“PRIMORDIALIS”囊括了朴栖甫20世纪60年代初期的作品,以大胆的笔触、深沉的色调和天马行空的形式为显著特征,那也是充满了战争美学的黑暗系列。“我所生活的土地上充满了生活的困苦——暴力、战争和贫穷,我亲眼目睹我朋友在轰炸中失去双腿,我想要用作品去宣泄垂死前的挣扎,PRIMORDIALIS系列是我无休止描绘这些无形悲剧的产物。” 

PRIMORDIALIS No. 62-3  1962 Oil on Canvas 162

PRIMORDIALIS No. 62-3  1962 Oil on Canvas 162cm X 130cm Photo Kwon Boomoon  Collection  Hanhwa Group Seoul

PRIMORDIALIS No. 3-63 1963,清空自我,不付诸于任何行为目的的绘画,极简主义,抽象表现主义,韩纸,绘画,韩国,朴栖甫,DANSAEKHWA,毛茜

PRIMORDIALIS No. 3-63 1963

PRIMORDIALIS No. 64-1 1964 Mixed Media & Oil o

PRIMORDIALIS No. 64-1 1964 Mixed Media & Oil on Canvas 162.5cm X 131cm

1966年12月26日,朴栖甫辞去了在母校弘益大学担任的教授一职,之后的一整年他没有给自己安排任何创作计划,而是在家中全心钻研东方艺术哲学的书籍。他突然理解了,韩国学者坐在自己的厢房里,一遍遍的研墨,在重复这些看似平凡行为的过程中,其实是在慢慢内观自己的感受——消解愤怒、邪恶,将纯洁、善良通达于心,而这些正是朴栖甫想要的生活。“艺术不仅仅是一幅画在画布上的图像,而应该在艺术的过程中实现自我的精神净化。”朴栖甫意识到,在画布上他不应该付诸于任何自我情绪和感受的表达,他需要的是完全清空自己,这成为“ECRITURE”系列的起点。 

朴栖甫开始摈弃最初所采用的西方绘画手法,形象化的白板以及随后的精神内省造就了单色系列艺术作品,他称其为 “ECRITURE”的意思是“描法”,这一标题成了他自1967年以来的所有艺术作品和展览的通用名称。 

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朴栖甫在工作室 1977年

半个世纪以来,运用细致而精简的手段——重复使用简单的图案和有限的黑白灰色彩,朴栖甫从未停止将他的创作风格从早期简单粗犷的笔触所体现的自我表达或情感宣泄中剥离出来,坚持创作单色画。代表着不同时期的“ECRITURE(描法)”,表现了他对单色画的毕生追求和孜孜探索。 

Ecriture(描法) No. 51-71 1971 Pencil Oil on Canvas 8

Ecriture(描法) No. 51-71 1971 Pencil Oil on Canvas 80cm X 100cm Photo  Kwon Boomoon  Collection of the Artist Seoul Korea

Park Seo-Bo, Ecriture No. 45-75 (1975). Pencil and

Park Seo-Bo, Ecriture No. 45-75 (1975). Pencil and oil on canvas. 129.86 x 161.61 cm. Courtesy the artist and Blum & Poe.

Park Seo-Bo, Ecriture No. 54.77 (1977). Pencil and

Park Seo-Bo, Ecriture No. 54.77 (1977). Pencil and oil on canvas. 80.33 x 116.52 cm. Courtesy the artist and Blum & Poe.

20世纪70年代,朴栖甫采用了一种原始的绘画技法,用铅笔将重复的线条和阿拉伯式花纹图案画在油彩潮湿的表面,这种技法起初被运用于油画当中。在创作被他称作“白画”的过程中,朴栖甫学会了在帆布上控制并尽情施展,从而使自己和自己的艺术作品融为一体。这种做法体现了心灵与身体的融合,在亚洲哲学领域是极受推崇的一种境界,与西方笛卡尔哲学所表现的心灵与身体的剥离则刚好相反。 

80年代初,朴栖甫开始试用韩纸(产自韩国一种用桑皮手工制成的纸张),韩纸也成为其日后体现他独特技法的关键材料。“韩纸作为一种纸质媒介,它能吸收色彩,与颜料融为一体,这种特质很符合东方哲学的意境,即消解自我的表达方式。” 

Ecriture(描法) 66-84 1984 Mixed Media with Korean HA

Ecriture(描法) 66-84 1984 Mixed Media with Korean HANJI Paper on Canvas 6.8cm x 96.6cm 1984 Collection of Dr. Kim Yong-Gi Jinju Korea

Park Seo-Bo, Ecriture No. 155-82 (1982). Mixed med

Park Seo-Bo, Ecriture No. 155-82 (1982). Mixed media with Korean hanji paper on canvas. 53.3 x 169.7 cm. Courtesy Tina Kim Gallery.

Park Seo-Bo, Ecriture No. 235-85 (1985). Pencil an

Park Seo-Bo, Ecriture No. 235-85 (1985). Pencil and oil on hemp cloth. 65.1 x 90.9 cm. Courtesy the artist and Kukje Gallery.

韩纸成为艺术家主张表达其物质性最好的媒介。从那时起,绘画时,朴栖甫先有条不紊地将潮湿的韩纸铺在帆布上,这些韩纸事先经过水彩浸泡,十分饱和,然后采用手指压按或使用工具在韩纸上一丝不苟地绘画重复的几何图案。也就是说,画布会记录下朴栖甫的手指的移动轨迹。 

90年代起,朴栖甫的绘画风格进入了他称作“黑与白”的阶段,在他这一时期的作品中,图案变成了独特的垂直皱纹,从画作顶端贯穿至底部。21世纪初,步入70岁的朴栖甫迎来了数字时代,他坦言自己曾经并没有信心能在数字化的新世纪生存下来,因为无法紧跟快速变革的时代。

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Ecriture(描法) No.910312 1991 Mixed Media with Korean HANJI Paper on Canvas 53.3cm x 45.6cm 1991 Private Collection Seoul Korea

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Ecriture(描法) No.920124 1992 Mixed Media with Korean Paper on Canvas 147cm x 112cm 1992 Photo Lee Man-Hong Private Collection Seoul Korea

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Park Seo-Bo, Ecriture No. 981206 (1998). Mixed media with Korean hanji paper on canvas. 165 x 195 cm. Courtesy the artist and Tina Kim Gallery.

“事实上21世纪的人们,生活的压力无处不在,当我决定要在这个所谓的更好的世界中过上更好的生活的时候,我希望我的作品能够带给大家一种治愈的功效。”朴栖甫大胆地将生动的色彩引入他的单色画,放弃了单色运动所使用的非彩色色彩。“在充满图像暴力的世界里,希望公众面对自己的绘画时不会感到压力,而作品也能像韩纸一样,吸纳观众的愤怒和痛苦,只留下舒适和幸福的感觉。” 

朴栖甫简约的审美哲学经常会被拿来与西方的极简主义进行比较。然而,两者在意图上区别很大,因为后者的创作途径完全是概念性的。如果两者都声称要净化无形式艺术或抽象表现主义的自我表现艺术,朴栖甫对几何图案(均手工绘制而非模块化或加工而成)重复使用,是他通往自我净化的精神之旅上最确切的手段,这也是启蒙运动的要素。 

朴栖甫的有些作品需要耗时一年才能完成,类似于僧人的冥想,两者都渴求达到更高的认知程度,超越自我的局限,而这种局限是每个人都必须打破的。 

Ecriture(描法) No.060923 2006 Mixed Media with Korea

Ecriture(描法) No.060923 2006 Mixed Media with Korean Paper on Canvas 162cm x 195cm 2006

Park Seo-Bo, Ecriture No. 111024 (2011). Mixed med

Park Seo-Bo, Ecriture No. 111024 (2011). Mixed media with Korean hanji paper on canvas. 130 x 200 cm. Courtesy the artist and Kukje Gallery.

Park Seo-Bo, Ecriture No. 160121 (2016). Acrylic w

Park Seo-Bo, Ecriture No. 160121 (2016). Acrylic with Korean hanji paper on canvas. 160 x 200 cm. Courtesy Perrotin.

Q & A 

您曾经说过“西方人往往认为艺术就是艺术,但我们却认为艺术是生活的一部分。”关于东西方美学上的差异,您有没有什麽特殊的观察或体会? 

东西方艺术家的想法不太相同,西方艺术家做好多作品,「作品」是他们的目地跟目标,而东方艺术家是着重修养跟创作实践的过程,出来的结构性作品并不是最重要的,重要的是在「修养」,在过程中以身体去感受艺术的本质、精神,或许「修养」才是我的作品。西方艺术家主要是在做「作品」,而我的艺术是生活的一部分。 

在超过50年以上的创作路上,似乎同时实践着佛教的「冥想」、「无我」的概念。在您的作品当中,是不是藉由「空」来表现「有」的存在? 

你这样看我的作品我很感谢,你的看法很对。为了完成作品,我三四个月努力工作,每天反覆的工作,色彩特别微妙,天天反覆重复的做一样的动作,这跟禅的修行差不多,没有要表现什么艺术家的想法与概念,想让观众自己去体会「禅」的感觉。我希望让观者看作品的感觉很放松,能将所有生活中的压力释放,当代生活当中、当代艺术的功用是治疗、安慰,我不认同一般西方当代艺术家如表现主义等,将观念强烈而直接突显,我选择让观看到我作品的观众用很轻松的心情来欣赏我的作品。 

您如何看待韩国当代艺术的发展? 

我认为韩国艺术最高峰是70年代,50年代我们经历过战争的痛苦之后,生存还是死亡,这是一种考验。以这个为基础,我们国家发展方向的讨论,各种传统与近现代化差异的冲突下,产生了很多的素材。于是进入了70年代后,我到底是谁、我在做着什么,会产生对自己这样的怀疑。对已经过去的五六十年代的行为的一种反思。最后的结论和老庄思想非常一致,自然是一种智慧,这样自发的思潮之后产生了很独特的魅力,70年代的文化是最有韵味的时期。我们国家的很多普通人都推崇的一种方式,即使不变现出来,这和极简主义是完全不同的。极简主义是指最细微的表现方法,我们倡导的则是把形式主义全部抛掉,是完全的不表现。就像我经常说,人们原来都认为容器要装满水才有魅力,经过70年代的运动之后韩国的艺术家明白,不要只看重眼前,将瓷器容器掏空之后,它所表现出来的价值反而是更充实、更有内涵的。 

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艺术家 朴栖甫

关于韩国单色绘画 

韩国抽象艺术始于1950年代晚期,政治的动盪与全面现代化的政策,导致年轻艺术家对传统学院画派提出质疑,进而捨弃写实绘画的具体与表象,运用简约单色系创作,摸索不同抽象绘画的表现形式。到了1970年代,强调「回归自然」的单色画形式,发展成为韩国战后最重要的抽象艺术DANSEAKHWA单色画风格。 

单色绘画在韩国已有二千年的历史,是韩国文化的核心。当韩国艺术家从西方引进抽象绘画,即试图以西方抽象的表现手法体现韩国传统的哲学与美学,在作品中融入无为、自然、中庸和观照等韩国传统的精神价值,在理论基础上是与西方极简抽象艺术有着根本的区别。单色画艺术家从自身的历史、文化和本土材料撷取灵感,每位艺术家皆发展出独特的表现手法,作品蕴含丰富的本土文化语彙和深厚的手工技法,创作在某种程度已成为一种修行,艺术家重複着无数次同样的手绘动作,如苦行僧般将精神超脱的状态铺陈于画布空间。即使在形式上有着与西方艺术相似的实践模式,但本质上则企图与自身文化脉络接轨,在西方的抽象艺术语言中注入东方的哲学思想与人文语汇。

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